拍好照片的基本要求（转载）

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最近我在网上看到一篇“拍好照片的基本要求”的文章，看后觉得对我们摄影爱好者很有帮助，现转载如下。

拍好照片的基本要求（转载）

作者：晋南老孔

怎样才能拍出一张好的照片？或者说拍好照片有哪些最基本的要求？这是每个初学摄影的人都首先面对和必须解决的问题。

一、确保主体成像清晰

成像清晰，应该是拍好照片最起码、最基本的要求。其原因我想无需赘述。

这里之所以提出要确保拍摄“主体”成像清晰，一是因为我们经常需要通过不同的景深效果，来反映或表达自己的思想情感；来增强和表现照片的艺术内涵；来强化和提升照片的思想主题。二是考虑在个别环境复杂或光线极端的情况下，我们应该如何完成拍摄的问题。

比如我们在拍摄风光照片时，我们就要求画面越清晰越好，也就是景深越大越好。而在拍摄人像照片时，则会刻意地虚化背景，以较浅的景深效果来突出主体。

另外，在遇到诸如环境光线较为复杂，或者遇到必须在高亮或昏暗环境中拍摄时，我们只能是先力求拍到，其次再考虑如何拍好。这时候保证拍摄主体的成像清晰，就显得十分必要，也就是先确保完成拍摄的问题。

   影响成像清晰的因素比较复杂，既有客观的（如机身分辨率、镜头解像力，相机快门时滞，被摄体高速移动等）；也有主观的；如相机抖动，快门速度设置过低（曝光时间延长），对焦精准度不够等。这里只能就如何克服和解决由于主观原因导致的成像不清晰，提出自己的思考与建议。

  （一）保证拍摄时相机的足够稳定。

   无论您摄影技术掌握得有多好，只要您在拍摄（按动快门）的那一瞬间相机有了抖动，所拍照片的质量就会因为影像模糊而大大降低。因而可以说，拍摄时相机的足够稳定，是保证您成像清晰的一个至关重要的因素。而要保证相机能足够稳定，就必须解决好以下几个问题：

  1、持机姿势要正确。

需要强调的是，掌握正确的持机姿势，即要养成一种习惯，也要练就一种功夫，这对摄影人来说，是终生受益的好事。

2、使用好相机的防抖功能。

   所谓相机的防抖，就是相机通过自身结构或参数的调整，在一定的快门速度时，能较好的解决手抖造成的机身晃动问题的功能。

目前，相机的防抖从技术角度可分为光学防抖和电子防抖，从相机类型又可分为镜头防抖与机身防抖。对于初学者，个人觉得没必要对各类防抖技术的原理探究过深，只要粗略知道：

（1）光学防抖是真正意义上的防抖技术，而电子防抖只是一种以牺牲画质为前提的技术平衡；

（2）佳能、尼康的镜头防抖，要略好于索尼、宾得、奥林巴斯的机身防抖（尤其是在长焦拍摄时效果更为明显）。

（3）任何时候防抖都是相对的。它只是一种辅助手段，也只能在一定的范围内起作用。实际拍摄时，我们必须根据环境光线、镜头焦段、拍摄题材的不同，综合运用减少相机抖动或提高快门速度的相关措施。

3、尽可能使用三脚架。

这是一个没有丝毫技术含量的命题，但却是保证拍摄时相机稳定最有效、最实惠、最到位的办法。许多人如我一样，出行时不习惯携带和使用三脚架。或嫌负重，或怕麻烦，甚至拿出若干理由为自己开脱。但大家往往忽略了一个问题，那就是为什么许多成了名成了家的摄影大师，拍照时都毫无列外地喜欢使用三脚架呢！？

（二） 尽量选择比较短的快门速度。

即在保证成像质量和构思意图的前提下，设置和使用较短的快门速度。这是相对于保证相机能足够稳定，从事物的另一端研究和解决减少相机晃动的问题。道理很简单，拍摄的“瞬间”时间缩短了，相机晃动的机会和幅度就会大大降低，拍出清晰图片的机率就会相应提高。

1、使用“安全快门”。 安全快门，是指能基本保证拍照时不会因手抖而导致照片发虚所用的最慢快门速度。一般来说，安全快门是镜头焦距的倒数（这里假定ISO设置为100）。比如您用200mm的焦段拍摄，那么您的安全快门速度就是1/200秒。但要注意的是：首先，“安全快门”只是胶片时代人们根据拍摄经验总结和积累出来的一个经验值。其次，如果您所用的相机或镜头有防抖功能，比如是索尼或宾得的机身，或者尼康（VR）或佳能（is）的镜头，这个安全快门的速度还可以再降低不少。第三，作为一种传统经验的总结，“安全快门”的安全性也是相对的。它不仅会因人（如铁手功）而异，也会因器材重量、拍摄环境等因素的不同而差强人意。重要的还是要练好基本功，这样您就有可能使用更慢的快门速度，拍出成像清晰的片子。

  2、设置较大光圈值。我们知道，光圈是用来控制光线透过镜头进入感光器件的装置。光圈越大，进入的光线就越多，所需的曝光时间就越短；反之，光圈越小，快门速度就越慢，所需曝光的时间就越长；因而我们可以通过设置光圈的大小来调节快门速度。比如在光线较暗的场合，通过光圈优先人为设定大光圈，使相机自动选择较高的快门速度，通过有效缩短曝光所需时间，来保证手持相机时的稳定性。需要特别注意的是，光圈作为进光量的控制装置，它不仅能影响快门的速度，更重要的是还影响着照片的景深效果。有关光圈作用的应用和探讨，我们后面再讲。

3、选择合适的感光度。

  相机感光度（ISO值）指的是感光元件（CCD或CMOS）对光线感受的能力。感光度越高，拍摄时所需要的光线就越少，感光度越低，拍摄时所需要的光线就越多。感光度高低对摄影成像的影响，一般表现在两方面。一是快门速度，更高的感光度能获得更快的快门速度；二是画质，越低的感光度带来越细腻的成像质量，而高感光度下的画质带来的则是比较多的噪点。这里之所以提出要选择合适的感光度，就是在拍摄受到光线限制（如室内、夜景），快门速度不足以满足成像稳定的要求时，可以通过适当提高感光度，来换取较快的快门速度，以保证稳定的成像效果。

需要强调的是，既然高感光度带来的是画质的下降，那么日常拍摄时就不是感光度越高越好。必须研究不同光线环境、不同拍摄需要的情况下，合理设置和正确使用感光度的特点和规律。通过总结和积累经验，提高成功拍摄的机率和能力。  

（三）保证对焦准确和合焦扎实。

一张成像清晰的照片,首先必须以精准对焦为前提。因此，对焦在这里可以理解为是：数码相机根据被摄体的反射信息，通过调整镜头的镜片组合，促进聚焦、合焦实现清晰成像的一个过程。对焦分为自动对焦和手动对焦。自动对焦是相机利用红外线、超声波、激光等精确测距后自动移动镜片来实现聚焦。手动对焦是人工转动镜头对焦环来实现聚焦。合焦则是指相机通过对焦的一系列动作后，最终成功地在感光元件上显像的一种状态。要保证对焦准确和合焦扎实到位，个人认为必须在以下几个方面做好功课。

1、选择正确的对焦模式。

以佳能数码单反为例，自动对焦方式中有三种不同的对焦模式。单次自动对焦（ONE SHOT）、人工智能自动对焦（Al FOCUS）和人工智能伺服自动对焦（Al SERVO）。其中单次自动对焦模式，适用于拍摄静止主体；人工智能伺服自动对焦模式，适用于拍摄距离不断变化的运动主体。而人工智能自动对焦模式，适用于对移动量不是太大的物体。我们在拍摄时，可以根据不同拍摄题材的需要，设置和选择正确的对焦模式，以提高对焦的准确性。

2、选择合适的对焦点。（或对焦区域）。

随着相机对焦技术的不断进步和优化，许多相机在提升对焦速度和精度的同时，对焦覆盖范围也得到了拓宽。我们在拍摄时，可以根据拍摄主体在画面中位置的安排，选择一个合适的对焦点（或对焦区域）来进行对焦操作。当然，前提是必须熟悉对焦覆盖范围内相关对焦点的聚焦能力及排布规律。

3 、用好自动对焦锁定功能。

由于个人习惯或相机对焦点数少等原因，许多人拍摄时喜欢先用中心点对主体进行对焦，然后通过半按快门（或对焦锁定按钮）锁定对焦，再重新对画面进行构图和拍摄。由于相机对焦、合焦的是一个面（焦平面）而非一个点，所以在同一焦平面内移动相机，理论上是不会影响成像清晰度的。个人感觉这里有四点需要注意：一是对焦锁定多适用于被摄体相对稳定的情况下；二是对焦锁定只在单次自动对焦模式下有效；三是对焦锁定可以在被摄体由于反差不明显而无法自动对焦时，通过参照同等距离物体模拟对焦并对焦锁定，再对被摄体完成拍摄。四是可以利用自动对焦锁定，对快速运动物体实现陷阱对焦。

4、关于手动对焦。

手动对焦的概念上面已经提及，是通过人工转动镜头对焦环，来实现聚焦的一种调焦方法。在自动对焦技术没有发明以前，手动对焦无疑是唯一的调焦方式。但如前所述，随着相机技术的发展，今天的数码相机其自动对焦技术已经非常成熟，应该能应付绝大多数的拍摄需要和场合。而即便如此，手动对焦却一直没能被人们遗弃。究其原因，一是传统（胶片）摄影时代过来的人们，他们不仅已经习惯了使用手动对焦，而且也积累了丰富的实践经验；二是在拍摄实践中，有些特殊场合的确还需要通过手动对焦来完成拍摄。如对比度不够、弱光下对焦、需要透过透明屏障（玻璃）、主体在对焦区域外等情况，都需要使用手动对焦。可以说，到目前为止手动对焦仍然是自动对焦的有力补充。

二、主体要曝光正确

所谓曝光，是指感光材料受光作用的过程。在数码摄影时代，曝光是指数码相机的感光元件接受从镜头所进光线并形成影像的过程。

曝光正确的照片，不仅能准确还原被摄物体的色调和影调，而且成像清晰，明暗适中，细节丰富。

曝光不足的照片则会由于曝光量不够，使照片整体偏暗，影调层次不丰富，暗部细节表现无力。

曝光过度的照片却整体发亮，高光部分一片死白，图像层次、细节损失严重。

那么，影响曝光的因素有哪些？在实际拍摄中又怎样力求曝光正确呢？

（一）影响曝光的因素。

影响曝光的因素既有客观的，也有主观的。

1、影响曝光的客观因素。

（1）光线的强弱。拍摄环境光线的强弱，决定着被摄物体的亮度。而被摄物体是以它所接受到的光照强度，来反馈给相机并促使其感光元件曝光的。光线的光照强度愈强，物体愈亮；光线的光照强度愈弱，物体愈暗。所以，光线的强弱直接影响着感光元件的曝光。

（2）光线照射方向及角度。光线照射方向是指在照相机与被摄物体位置固定的情况下，照射光线与被摄物体及照相机所构成的不同角度而产生的方向性。不同位置的光线，按其方向可分为顺光、侧光和逆光等。光线方向的不同，体现在被摄物体上表现为受光面积的大小不同。

（3）被摄物体亮度。由于物体的表面对光线都具有不同程度的反射作用，在同样光照条件下，不同物体对光线的反射能力有强有弱，自然对曝光的影响亦有小有大。

2、影响曝光的主观因素。

（1）光圈。

因为光圈的大小决定着镜头进光量的多少，所以光圈设置的正确与否，自然决定着照片曝光的正确与否。尤其是作为控制景深效果的主要手段和因素，光圈值的设置在完成拍摄意图方面尤显得重要。譬如，我们拍摄背景虚化的人像照片，和拍摄前后景都要清晰通透的风光照片，其光圈值大小的设置是截然不同的。

2）快门。

作为决定曝光时间长短的装置，快门速度同样影响着曝光。除了作用于正常的曝光控制外，不同的快门速度设置，对实现不同的拍摄意图也极为重要。譬如要拍摄凝固瞬间的飞禽，和要拍摄潺潺流动的溪水，其快门速度的设置也是截然不同的。

（3）感光度。

除了光圈和快门，感光度也是影响曝光的主要因素之一。因为感光度（ISO值）设置的高低，同样影响着曝光所需要的进光量和进光时间。尤其是在遇到一些极端情况，等我们通过调整光圈大小和快门速度都无法实现正确曝光时，调整感光度便成了完成拍摄的唯一途径。

由于大多数情况下，光线的强度、景物的亮度等客观因素无法改变，所以对于摄影者而言，要想获得准确的曝光，就必须合理地设置数码相机的光圈、快门以及感光度等拍摄参数。

  此外，人造光源的介入和利用，亦应列入主观因素的范畴。

（二）实现正确曝光应该注意的问题

1、准确测光。

（1）测光。测光就是数码相机通过测定被摄对象反射回来的光亮度，为正确设置曝光参数提供依据的过程。也就是说，测光是曝光的前提，只有通过准确的测光，才能获得正确的曝光，也才能得到令人满意的照片。

（2）常见的四种测光模式。数码相机目前能提供的测光模式，大致有以下四种：

一是中央重点平均测光；是以画面中央部分为重点，兼顾画面其余部分的加权平均测光方法。适合主体比较突出又需要兼顾背景的场合。

二是点测光；就是以被摄主体或场景中的某一点为基准，来进行测光的方法。多用于人像拍摄和复杂光线环境拍摄任务的完成。

三是局域测光；是以覆盖取景器中央约9%的面积为采测局域来进行的测光，是扩大了的点测光模式。

四是评价测光；即对画面整体的亮度进行平均测定的测光模式。是目前采用最多最基本的一种测光方式，也是大多数数码相机拍摄时自动默认的测光模式。被广泛应用于从风光到纪实抓拍的多种拍摄场合。

（3）关于准确测光。前面已经提到，准确测光是正确曝光的前提。那么，怎样才能做到准确测光呢！作为初学者，我们首先要了解和掌握各种测光模式的优势和不足，熟悉各种测光模式适合的拍摄场景或拍摄主体。其次，要根据不同光线环境的特点和拍摄作品的构思意图，去选择符合创作需要的测光模式。三是要通过不断总结和积累经验，提高我们熟练驾驭相机，实现准确测光的水平和能力。

2、运用正确的拍摄模式。

中、低端数码单反根据拍摄者习惯、爱好和摄影技术水平的不同，为我们提供了适合不同层次的爱好者选择和使用的拍摄模式。以50D为列，在全自动位置朝顺时针旋转是自动模式区。有Auto、人像、风光、微距、运动、夜景、禁闪等七种自动模式。实际上是相机根据拍摄者的拍摄要求，用光圈、快门、ISO的不同组合和搭配，来帮助拍摄者完成自己的拍摄意图。在全自动位置朝逆时针旋转，则是我们要重点介绍的创 意拍摄模式区。
（1）P（程序自动曝模式）模式：在这种模式下，光圈快门还是由相机自动设置，但是除此之外， ISO(感光度)、曝光补偿等等都可以手动设置。更难能可贵的是，即使是相机已经设置好了光圈和快门，我们还可以通过相机的程序偏移功能，在维持曝光值不变的情况下，调整光圈与和快门组合以达到更为理想的效果。
（2）TV(快门优先)模式: 顾名思义，由拍摄者根据拍摄意图优先选择（设置）快门速度，然后由相机根据测光结果和已设定的快门速度来决定光圈大小。
  快门优先最常见的用法有两种：一种是运用高速快门来表现冻结影像的视觉效果；另一种则是选择慢速快门表现影像的动感效果。总之多是在拍摄动态主体时使用。
（3）AV(光圈优先)模式：与TV更好相反，由拍摄者根据拍摄意图优先选择（设置）光圈大小，然后由相机根据测光结果和已设定的光圈值来决定快门速度。
  由于光圈和景深联系密切，所以通常凡是遇到需要控制景深效果的时候，不论是大景深还是小景深，有经验的摄影师都会使用这种模式。因为只要设定了光圈值，也就意味着确定了画面的景深效果。如人像拍摄的大光圈浅景深和风光拍摄的小光圈大景深。
（4）M（全手动）模式：与全自动模式完全相反，全手动模式是相机的光圈、快门、感光度全部由拍摄者根据自己的拍摄意图来决定和设置。它适合有丰富经验和特殊习惯的拍摄者使用。

  3、用好曝光补偿。

  曝光补偿是通过人为干预的方式来纠正自动曝光产生的偏差，从而保证曝光正确的一种手段。拍摄者可以通过设定曝光补偿值，使照片显得更暗（减少曝光量）或者更亮（增加曝光量），进而达到符合构思意图的视觉效果。其关键是人为地变更了相机自以为“正确”的曝光参数！

  曝光补偿使用EV（曝光值）为单位进行调整，1EV等于1挡光圈。

  那么，为什么要人为地干预相机的自动曝光？也就是说曝光补偿在什么情况下使用？个人认为当以下两种情况发生的时候，曝光补偿就要发挥它的作用了！一种是由于相机测光不准确，导致自身误判而不能正确曝光的时候；另一种是拍摄者需要拍摄特殊光影效果的时候。具体讲，曝光补偿的使用有以下四个原则：

  第一是“白加黑减”。所谓“白加”是指拍摄白色或浅色景物时要增加补偿。例如拍摄雪景，由于雪的表面存在强烈的反光。相机的自动测光系统会误认为拍摄环境太亮而自动减少曝光量，结果会让画面偏暗，造成白色的主体变得不太白。用正补偿增加曝光量，可以弥补相机自动测光的错误判断，使雪景获得正常的色彩还原效果。所谓“黑减”是指拍摄黑色或深色物体时要减少补偿。例如拍摄身穿黑色服装的人物、深色调的山川、黑色的狗、棕色的熊等深色主体时，由于深色会吸收较多的光线，相机的测光系统会误认为拍摄环境太暗而自动增加曝光量，使黑色变得不够黑。用负补偿减少曝光量，避免出现曝光过度的问题。

  第二是“亮增暗减”。所谓“亮增”是指背景非常明亮并且占较大面积时，需要增加曝光补偿。例如，拍摄背景为明亮的天空或水面等亮度较高的场景时，需要设置正补偿，这一点在逆光摄影中体现的尤为明显。所谓“暗减”是指背景很暗并且占较大面积时，需要减小曝光补偿。在这种情况下，相机的测光系统受到周围环境的干扰，误认为现场环境太暗而自动增加曝光量，导致画面发灰。使用“暗减”原则，能够很好地解决这个问题。

  第三是 “欠增过减”。 前两条是书上说的，这后两条是我自己加上的。欠增过减，就是我们在拍摄过程中，通过回放功能及时查看曝光情况，根据实际需要增减曝光补偿。

  第四是“高增暗减”。 比如在拍摄高调照片时，就可以增加曝光补偿，形成大对比度的照片，更好地表现作者的拍摄意图。同样的，在某些时候，为了体现出事物的神秘感，需要我们刻意降低照片亮度时，就应降低曝光补偿。总之，善于应用、合理使用曝光补偿，可以大大改善你的摄影作品的成功率，拍出效果独特的照片。

  4、学习看亮度直方图。

直方图是显示图像亮度分布的图表，横轴表示亮度等级，纵轴表示每个亮度等级上的像素分布情况。通过直方图的波形参数可以判断照片的曝光情况，专业的数码单反相机和一些高档数码相机在LCD显示屏具备实时查看“直方图”的功能，借助“直方图”在取景时可以帮助摄影者及时调整光圈和快门以及改变测光方式来获得正确的曝光

曝光不正常的照片，大致可分为如下四种类型。

（1）曝光不足的照片。

曝光不足，则直方图左端产生溢出，暗部的细节损失较大。右端（亮部）没有像素或像素很少，亮度不足

(2）曝光过度的照片。

曝光过度，左端像素太少，照片缺少黑色成分。右端溢出，亮部细节损失较大。
（3）反差过低的照片。
反差过低，则层次减少，照片发灰，左端和右端都富余大量的空间，影调集中在中间部分。
（4）反差过高的照片。
反差过高，两端都产生溢出，这将给照片的暗部和亮部都造成不可逆转的细节损失。
(5)正常曝光的照片.
亮度分布在最暗和最亮之间。左端（最暗处）和右端（最亮处）都没有溢出，也就是说暗部和亮部都没有损失细节层次。

三、色彩还原要准确真实

所谓色彩还原，就是照片画面的色彩颜色大体上与原景物的色彩颜色相一致。也就是要准确地还原被摄体的色调和影调。

（一）关于色温和白平衡。

在讨论色彩还原之前，我们先熟悉两个与色彩还原相关的概念，色温和白平衡。

色温：色温是指当发出光的颜色与黑体在某一温度下辐射光的颜色相同时，黑体的这个温度称为色温。反过来说： 把“黑体”加热到某种颜色时所对应的温度即是色温。

关于什么是“黑体”，说实话我也说不太清楚。大概意思“黑体”应该是一种能把入射的光线全部吸收，既不存在光的反射，也不存在光的透射的物体。如果非要举个列子，我们可以假定“铁”就是黑体。锻工车间的师傅们经常需要把铁加热，在加热的过程中“铁”的颜色会渐次呈现由黄到白再到蓝的变化。这种把铁（黑体）加热到某种颜色时所对应的温度，即可理解成色温。

这里需要特别注意的是，色温是指光的颜色（光波在不同的能量下人眼所感受的色彩变化），而绝非光的冷热程度！

色温用K（开尔文）表示。色温越高，光线中蓝色光线的成分越多，色温越低，光中红色光线的成分越多。如5500-5700度是标准的太阳光，比这高的光线发蓝，比这低光线发红。

白平衡：就是在色彩还原的过程中，相机以白色为基准，对照片画面的色彩进行的一种自我设定和定义。

相机通过对红、绿、蓝三基色在混合生成白色时相关参数及精确度的自我设定，以准确还原被摄物体的本来颜色，使之达到更接近人眼的视觉习惯。它决定了相机按照多高的色温条件去记录拍摄信息和还原影像色彩。

白平衡用WB来表示。

关于色温与白平衡的关系，大家切记色温与白平衡不是一回事。色温是指环境光线的颜色，而白平衡则是相机为了还原被摄体的颜色给自身设定的一个色温匹配值。影像最终的色彩还原是否准确，关键是相机能否最大限度地保证机内设置的色温匹配值与拍摄现场色温数值的高度一致。因为

（1）机内色温（匹配值）如果高于现场色温，则画面色调偏红。

（2）机内色温（匹配值）如果低于现场色温，则画面色调偏蓝。

（3）只有等机内设定色温等于现场实际色温时，才能保证影像画面的色调正常。 因此，通俗一点理解，白平衡就是相机色温的管理器。如果拍出的照片出现了偏色，那一定是白平衡的设置出了问题。即机内设置色温与拍摄现场色温出现了差值。

（二）正确设置白平衡的方法和途径

白平衡设置通常分为以下四种：

1、多数情况下使用自动白平衡(AWB)。

自动白平衡，就是相机在“一定范围”内自动设置色温值，尽量保证将“白纸”还原成白色的。它的优点是省心省事，缺点是一旦出了这个“范围”相机就无能为力了。近年来，随着相机技术的不断进步，各主流品牌（相机）的自动白平衡技术应该说都已经很是过关，这种方法绝对可以适用于绝大多数场景。尤其是对一般影友或者初学者，本人强烈建议在白平衡设置使用自动白平衡。

2、也可以根据不同的光源情况设置相应的白平衡

即使用色温场景模式。这是一种方便摄影师快速调节并且能够相对准确地得到理想色温的方法。一般在相机的白平衡设置界面下，除自动白平衡（AWB）外，仍有日光、阴影、多云、白炽灯、钨丝灯等几种场景模式可以选择。

3、特殊情况下要自定义白平衡（即使用手动白平衡）。

它能够准确地保证色温的准确性，但是需要自己设置。不同的数码相机有不同的方法设置，要参阅说明书。

4、通过直接设置色温精确设置白平衡(K)。

直接调节色温，一般都是在明确知道被摄体所处环境色温之后，或者明确知道拍摄时被摄体所处色温。一般不推荐初学者使用。

关于白平衡的创意应用。

利用色温的差值控制画面的色调，是数码相机拍摄的重要创作手段。熟练掌握了数码相机的白平衡调整方法，就能随心所欲的去烘托画面的氛围。通过调高色温或者选择阴影等白平衡模式，将相机内的色温调高，相机会自己往照片里加黄色。这样，一张“暖色调”的感觉就出来了。

调低色温或者设置成烛光等白平衡模式，将相机调整至低色温，相机会将画面拍摄得很“蓝”，这样就能够突出诸如“滩涂的宁静”的效果等。

（三）关于白平衡漂移/包围功能。

  白平衡偏移的主要作用旨在对白平衡进行轻微调动。也是在既定色温的情况下对色温进行调整的一种延续功能。比如在10000K的色温下你觉得颜色的红不是你想要的红，那么你可以往蓝色区间偏移，使照片由红黄转变为偏洋红。白平衡偏移包围功能就是你不确定白平衡偏移设置到什么程度才最适合,可以上下或左右包围,拍一张会出三张图片,左右是红至蓝三张,上下是洋红至绿色三张,你可以选择最适合的一张,这个功能一般很少会用到。

四、构图要简洁、均衡

构图在摄影创作中起着非常重要的作用,构图的好坏直接影响着作品的质量。因此，学习和研究摄影构图就显得十分必要。

（一）构图的定义。

摄影构图就是对画面中各构成要素进行取舍、安排和布局；并通过确定其相互关系使之成为一个统一整体，以寻求画面的最佳结构形式；并最有效的表现主题思想。或者说就是把要拍摄的客观对象有机地安排在照片画面里，使它产生一定的艺术形式，把拍摄者的意图和观念表达出来。

注意：构图的目的有二，一是实现最佳的画面结构和布局，能给人以美的享受；二是达到能最有效突出主体和表现主题思想的效果。   

（二）摄影构图的作用。

1、要素取舍功能。构图的第一步，首先是选择和取舍画面的构成要素。通过确定重点选择对象，舍弃杂乱无关对象，保留可用陪衬对象，使画面组成元素最优化。

2、主体强调功能。一幅好的构图作品，必然是画面布局主次分明；元素搭配详略得当的艺术品，是能使主体能得到充分的强调和展示的整合体。

3、审美展示功能。摄影之所以能成为一种艺术形式，最根本的原因就在于摄影通过作品的画面，能给人以美的表现、美的回味和美的享受。

4、情感传递功能。通过作品主题思想的展现，使拍摄者的思想情感得以抒发和表达，使观赏者的思想得以愉悦和影响，并通过这种思想情感的交流和共鸣的产生，向社会传递正能量。

（三）摄影画面的构成要素

如前所述，摄影构图就是对画面中的各构成要素进行取舍和布局。那么摄影画面中一般包含哪些构成要素呢！

1、主体：即画面中用来表现作品主题的主要元素，是画面的兴趣点和结构中心。突出主体是摄影构图的首要任务。

2、陪体：是用来陪衬和辅佐主体表现思想内容的元素。通过陪体能更有效、更深入地阐述主题。陪体只能起陪衬的作用，任何时候都不能喧宾夺主。

3、背景：是指处于主体之后至无限远之间的景物。背景的主要作用在于说明主体所处的环境，突出主体形象，丰富主体的内涵。

4、前景：指处于主体之前至靠近镜头的部分。有效地利用前景可以加强画面的空间感，并对主体起到烘托和补充。

5、留白：是画面中实体对象以外的空白部分。它有足于沟通和连接画面中各构成要素，善用留白能在突出主体的同时创造画面的意境。

（四）常见的几种构图形式

在摄影构图的问题上，经过前人们长期的无数次的提炼和总结，已经为我们提供了多种成熟和经典的构图艺术形式。为了便于大家学习，我们在这里介绍几种常见构图方式和方法。

1、九宫格（黄金分割点）构图。

假设将画面的长、宽各分为三等分，把相交的各点用直线连接，画面便形成了一个九宫格。画面中的四个交叉点，即所谓的黄金分割点。我们将被摄主体安排在“九宫格”的交叉点的位置上，一般认为最为理想。这就是所谓的九宫格（或黄金分割点）构图。这种构图格式较为符合人们的视觉习惯，整幅画面既庄重又不拘谨，主体自然成为视觉中心，具有突出主体，并使画面趋向均衡的特点。

2、对称式构图

即把画面分成相对对称的二等分的构图形式。这种构图具有画面对应、平衡、稳定、相呼应的特点。缺点是画面呆板而缺少变化。一般常用于表现建筑等对称的物体。
由对称式构图，我们自然可以延伸到平衡式、均衡式、呼应式等多种构图形式，这些构图形式不仅具备平衡式构图的优点，同时由于画面不存在绝对的对称，反而更能使画面显得结构完美，灵活多变而富有生机。

3、三角形构图

以三个视觉中心为景物的主要位置，或者以三点成面的几何构成来安排画面结构，使之形成一个稳定的三角形。三角形构图具有安定、均衡但不失灵活的特点。三角形可以是正三角也可以是倒三角，其中尤以斜三角最为常用。

4、S 形构图

S 形构图是线状构图的一种，画面中景物的排布呈S形曲线走势。它具有延伸、变化、流畅、协调的特点，能给人以雅致、大气、丰富、深远的感觉。常用于河流、山川、溪水、曲径、道路等的拍摄。是一种极富变化的构图形式，能把人的视线引向远方，把有限的画面变得无限深远。
   如果非要为这幅照片立个标题，我觉得取单字一个《路》就很好。它预示人生道路的曲折和爱情力量的神圣。
  5、对角线构图主体在画面中的安排，近似于对角线的形状。
把主体安排在对角线上，能有效利用画面对角线的长度，富于立体感、延伸感和运动感。显得活泼，也容易产生线条的汇聚趋势，吸引人的视线，达到突出主体的效果。
需要注意的是：对角线构图时，主体的安排不一定非要连通两个对角，也不必刻板地死守在对角线上。那样反而会显得呆板，显得缺少动感和活力。

6、框架式构图

框架式构图的特点，是要选择一个合适的框架型景物做前景（比如一棵树或一扇拱门），然后将拍摄主体框控在划定的范围内。这样有利于把观众的视线吸引到被摄主体上，增加画面的纵深度和神秘感。

（五）贯穿构图始终的几条原则

在摄影画面构思过程中，为了能最有效地突出主体和表现主题思想，我们应该遵循那些原则呢！

1、简洁的原则

简洁是构图的第一要义。简洁的画面可以更好地突出主体，可以给人带来明快的视觉感受。如果说绘画是加法的艺术，那么摄影就是减法的艺术。所以，构图时一定要注意精简，做到精简再精简，千方百计舍弃那些分散注意力和削弱主题的因素，尽量做到画面简洁，主体突出。

  2、均衡的原则。

摄影画面均衡，是获得良好构图的一个重要原则。因为无论在自然界还是人类社会的各个领域，均衡法则可谓之无处不在。画面布局的均衡有致，既能使画面具有较强的稳定感，又能给画面的构思布局提供较大的灵活性。也符合人们在长期观察自然中形成的视觉习惯和审美观念，给人以美的愉悦和享受。

实现画面均衡的方法很多，应该包括平衡、呼应、对称等等。其内在本质是要通过对画面元素的均衡布局，增强画面的稳定性。

3、疏密有致原则

所谓疏密有致，就是构图元素的取舍要以主题需要为前提。当疏则疏，当密则密。既有稀疏浅淡，也有茂密浓重，做到疏能跑马，密不透风，简繁适宜，详略得当。

（五）贯穿构图始终的几条原则

在摄影画面构思过程中，为了能最有效地突出主体和表现主题思想，我们应该遵循那些原则呢！

1、简洁的原则

简洁是构图的第一要义。简洁的画面可以更好地突出主体，可以给人带来明快的视觉感受。如果说绘画是加法的艺术，那么摄影就是减法的艺术。所以，构图时一定要注意精简，做到精简再精简，千方百计舍弃那些分散注意力和削弱主题的因素，尽量做到画面简洁，主体突出。

  2、均衡的原则。

摄影画面均衡，是获得良好构图的一个重要原则。因为无论在自然界还是人类社会的各个领域，均衡法则可谓之无处不在。画面布局的均衡有致，既能使画面具有较强的稳定感，又能给画面的构思布局提供较大的灵活性。也符合人们在长期观察自然中形成的视觉习惯和审美观念，给人以美的愉悦和享受。

实现画面均衡的方法很多，应该包括平衡、呼应、对称等等。其内在本质是要通过对画面元素的均衡布局，增强画面的稳定性。

3、疏密有致原则

所谓疏密有致，就是构图元素的取舍要以主题需要为前提。当疏则疏，当密则密。既有稀疏浅淡，也有茂密浓重，做到疏能跑马，密不透风，简繁适宜，详略得当。

（六）构图时应该注意的问题。
1、注意画幅选择。


   横画幅由于画面底边较长，有利于展示画面的宽广度，适于拍摄宽阔场景的风光。竖画幅由于画面底边较短，利于展示画面的垂直纵深度，适于拍摄高大向上的主体，能增强画面的纵深感。在拍摄时，我们首先应该分析主体特征，然后根据自己的表现意图对画幅做出选择。


2、注意景别确定


景别是指被摄主体在画面结构中所呈现出的大小和范围，它包括远景、全景、中景、近景和特写。在摄影构图时，选择不同的景别对画面的组织和主题的表现其效果是不同的。一般认为全景出气氛，特写出情绪，中景是表现人物交流特别好的景别，近景是侧重于揭示人物内心世界的景别。因此，在摄影构图实践中，我们就要根据拍摄主体的特点，结合我们所要反映的思想和情感，在精心构思的基础上，确定适合主题表现的景别。


3、注意拍摄角度。

   在摄影构图时，不同的拍摄高度对画面的影响亦不同。相机与被摄体处于同一水平线上称为平摄，相机高于被摄主体为俯摄，相机低于被摄体为仰摄。平摄是我们最为常见的，画面效果与人们的视觉习惯基本一样。无论是拍摄建筑、人像还是风光，这种都显得比较稳定平和，并且可以利用前景和背景来改变画面的效果。仰摄可以使被摄者显得高大雄伟、而且可以避免杂乱的背景。使用这种角度拍摄，常可以用天空作为背景来净化画面。俯摄主要用于拍摄大场面，容易表现画面的层次感、纵深感。如果从较高的地方俯拍，就可以完整地展现从近景到远景的所有画面，给人以辽阔宽广的感觉。某些平视镜头拍摄出来很容易流于平淡，但采用高机位，大俯视角度拍摄就可以增加画面的立体感。

4、注意拍摄方向。

4、注意拍摄方向。

通过选择拍摄主体的不同侧面，来表现自己的情绪和愿望，是构图中需要注意的另一个问题。这也就是拍摄方向的选择。因为在拍摄距离和拍摄高度不变的条件下，不同的拍摄方向可展现被摄对象不同的侧面形象，以及主体与陪体、主体与环境的不同组合变化。

5、注意画面和谐。

好的摄影构图，不仅要使画面有主有次、详略得当，而且要注意画面元素的匹配与和谐，只有这样才能给人以美的传递与美的感受。在拍摄实践中，我们要尽量规避诸如地平线不平，建筑物倾斜，人头部长电杆、生树杈等，或者厕所、果皮箱占据显眼位置，以及由于整体影调、色调的不协调造成的画面色彩、气氛不和谐。

五、用光有讲究

摄影是用光的艺术，离开了光摄影便无从谈起。因此，作为一名初学摄影的爱好者，我们必须对光的性质、分类、特点等有个基本的了解，以便于我们在拍摄实践中科学利用光线，拍出好的光影效果。由于摄影用光涵盖的内容很宽泛，所以我们在这里仅就室外摄影用光做一些简要的讨论。

（一）摄影用光的意义

  当您打开百度，搜索有关摄影用光的话题时，很常见的一句话，就是“摄影是用光来绘画的艺术”！为什么这样说呢？   

大家知道，人像也好，风光中的景物也好，只有等有了光的照射时，这些被摄物才会产生明暗层次，也才能展现其外形轮廓和色调、影调。如果没有光，这个世界就会变得一团漆黑。因此，光是摄影的前提，是表现物体外部特征和内在本质的先决条件。

所以，学习摄影，我们必须学会合理利用光线。

对于我们这些初学者来说 真是一场及时雨

（二）室外光线的种类及特点

准确说，光线对摄影的作用，不仅仅是通过曝光使感光元件产生感光变化，而且光线照射方向、角度的不同，对于画面效果的形成也至关重要。光线从照射方向来分，可以分为如下几种。

1、顺光。

亦称“正面光”。是从照相机背后零度角方向照射过来的光线。

特点：由于光线是从正面方向均匀地照射在被摄体上

（1）被摄体受光面积大，相对阴影比较少；（2）不论风光还是人像，都能给人一种明亮的感觉；（3）能很好的反映被摄体的本来色彩。

缺点：因受光情形完全相同的原因，被摄体表面缺乏明暗之分，使主体对比度降低，画面像平面图一样缺乏立体感。在这样的光线下拍摄，其效果往往并不理想。

2、前侧光。

光线的投射方向与相机、景物成45度角方位的前侧面光。

特点：由于光线从前侧方向投射，（1）因而被摄体有明显的明(70℅)暗(30℅)差别，很符合我们人类的视觉习惯;(2)能很好地表现被摄体的层次、质感，较之顺光其画面的立体感也得到了很好的增强；(3)光线的斜向照射，能促使被摄景物光影的有规则间隔排列，形成丰富的影调，能突出画面的纵深感。

缺点：真没什么缺点。

  应用：(1)万能光，拍什么都很好！(2)一般出现在上午九、十点钟和下午三、四点钟；(3)人像拍摄时，人物脸部朝向另一侧，脸朝左用右侧光，脸朝右用左侧光。

谢谢，学习了。

4、侧逆光。

亦称后侧光，是照射方向来自被摄体侧后方的光线。标准的侧逆光是投射方向与相机拍摄方向呈135度角的光线。

特点：

（1）拍摄对象受光面很小，大部分处在阴影之中；

（2）能使被摄体的一侧产生明显的轮廓线，使主体与背景分离，画面的立体感、空间感也很强；

（3）用侧逆光拍摄远景和大景时，可使画面晶莹透亮，影调层次丰富，色彩清新，富有生气;

4）人像拍摄时，明亮的背景会使人物主体呈现暗色的剪影，很具有表现力。

缺点：明少暗多的受光效果，使人像拍摄时脸部偏暗；景物拍摄时画面易欠曝。

应用：人像拍摄时要根据侧逆光的特点确定阴阳比列，避免人脸部大面积过暗而只有一亮线；同时注意画面光比，做好面部补光。

5、逆光。

是指从被摄体正后方照射过来的光线。

特点：

（1）由于光线从被摄体背面投射过来，因而只能照亮被摄体的轮廓，所以又称作“轮廓光”；

（2）“轮廓光”能使被摄体产生生动的轮廓线条，使主体与背景分离，从而使画面产生立体感、空间感。

缺点：在拍摄逆光照片时，如果按背景测光，往往会曝光不足；因此对于曝光的把握相对比较困难一些。

应用：逆光拍摄历来是摄影的一大忌！逆光拍摄容易使人物脸部太暗，或景物的阴影部分看不清楚。运用不当还会产生主体色彩不正确、曝光不足等现象。如果非要在逆光条件下拍摄，一是注意构图时最好选择深色背景，二是人像拍摄时注意使用辅助光。

（三）摄影用光需要注意的几个问题。

1、注意光线照射角度。

室外摄影的光源主要靠太阳，而太阳从日出到日落无时不在改变着位置。

因此，照射在被摄体上的光线也会随着太阳位置的推移而不断改变着角度。而随着光线角度的改变，被摄体表面的明暗分配、质感描写等都会受到影响，这些无疑会直接影响到整体画面的表现效果。

譬如早、晚的光线由于照射角度较低，一般光线柔和，色彩艳丽，影调清新。再如同样是侧光，高角度时主体的阴影较短，低角度时主体的阴影较长等等。同样状况的光线一天只有一次，而且会随着季节、气候、天气的不同而变化，因而对光的角度的选择不能掉以轻心。

要通过仔细的观察和认真的总结，尽力掌握不同角度光线的表现特点，以期达到最理想的用光效果。

2、注意光比调整。

光比是指被摄体亮部与暗部的受光量差别，也就是画面明、暗的对比度。

光比大，反差就大，有利于表现“硬”的效果；光比小，反差就小，有利于表现“柔”的效果。拍摄时要注意根据现场光线实际，对画面明暗程度进行合理的控制或调整，以期达到理想的效果。

如在逆光、侧逆光人像拍摄时，要注意使用反光板、闪光灯对暗部进行补光，以缩小人像面部的明暗差距。

在景物拍摄时，为了较好地反映画面暗部的影像细节，我们可以使用诸如佳能机内的“自动亮度优化”功能，让相机对拍摄结果进行适当的亮度和反差调整。当遇到亮色为主调的题材时，可以使用佳能的“高光色调优先”，较好地保留高光区域内的影像细节，以防止高光溢出。

如果您是后期高手，还可以个使用HDR技术，在前期拍摄时按正常曝光拍一张，再按亮、暗部测光各拍一张，最后使用后期软件进行HDR合成。

3、注意光线色彩的利用。

在讨论白平衡时我们就已经知道，光是有颜色的，光的颜色用色温来表示。

作为室外摄影主光源的太阳，从日出到日落，从晴天到阴天再到雨雪天，不同时间不同气候条件时的色温值是变化的，这种不同色温条件下的光源照射，就形成了拍摄画面不同的色彩基调。它对烘托主题，构造环境，渲染气氛都起着举足轻重的作用。

如日出或日落时阳光色温较低，一般呈暖色调；而蓝天白云的中午阳光便会有点冷艳的味道；雪天时我们是否可以尝试拍摄高调作品等等；对于一个摄影爱好者来说，只有熟练掌握和利用好不同光源的色温变化，才能更好地把握照片的色彩和色调，更充分地体现创作的意图。

4、关于散射光。

散射光是太阳光线被遮挡而形成的散射光线。

在日常拍摄实践中，散射光是经常遇到的一种光线。如阴天、雨天、雪天，日出前日落后等等时候都是散射光。

散射光的特点，是由于光线不能直接照射，便导致了画面没有阴影，没有明暗差别，使影调显得平淡，色彩也比较灰暗。但散射光又是我们日常拍摄中不可规避的一种光线环境，在散射光条件下拍摄，一是要重视色彩处理，适当提高被摄物体的色彩饱和度。二是要尽量选择深色和色彩鲜艳的景物做前景，以提高画面影调的明暗对比度。如阴雨天去拍古建筑，效果就会比较理想；除了那种白色占主导地位的高调人像外，画面应以中、近景为好，因为拍摄距离越近，景物的色彩越鲜艳，距离越远，色彩就会越清淡。三是注意曝光控制应以地面景物亮度为准，而景物较深的前景又是主要依据。切记不要用远景或天空作为曝光依据，否则就会因曝光不足而失败。

六、要学会简单后期

  （一）摄影后期的重要性。

   摄影的后期调整与修饰，本就是传统摄影时期延续下来的产物。早在胶片拍摄的年代，人们就探索出了诸如通过改变显影条件，来弥补前期曝光不足或过度，来调整照片的反差过高或过低；通过照片后期的放大与裁剪，来实现影像的二次构图；通过一些特效技法的运用来增强影像的色调影调等等一整套的暗房技术。

   进入数码时期以后，摄影的后期技术应用也愈来愈更为重要。

   首先、由于数码感光元件（CCD或CMOS）的宽容度远不及胶片，其所拍摄图片在灰阶记录、色彩还原、锐度反差等指标方面都不如胶片完整和丰富，必须通过后期调整才能达到相对完美。

   其次、虽然随着相机技术的不断进步，各品牌相机都在其内部增加和预设了一些调整与修饰的功能。但限于机身体积、成本、散热等方面的原因，这些相机前置的修饰程序与强大的数码后期技术相比，其作用和效果还真是无法比拟的！尤其越是好的数码相机，它记录灰阶的能力越强，也就越需要好的后期来完成创作。

   第三、不管是胶片时代还是数码时代，从广义上讲摄影都包括前期和后期，这两个过程是相辅相成的。就好比一篇文章，我们总要先构思出提纲，然后用文字和段落的合理切垒完成书写，这是文章写作的前期。文章落笔后再经过仔细的斟酌，修改与润色，这便是文章写作的后期。前期确定的是文章的主题和大的构架，而后期修饰可以使作品更加结构完整、细节丰富，论证有利，主题突出。所以，对摄影而言，前期和后期是不可分割的两个部分，是摄影前期的完善和继续。

   同时、后期技术的学习与摄影器材的升级相比，后者需要的是钱，有了“银子”才可以做到；而前者却可以通过大家刻苦一点去学习就能实现；这对于我们大多数摄影爱好者来说，毋庸置疑是一件好事。

赵伟民 发表于 2015-7-21 16:22
2、运用正确的拍摄模式。

中、低端数码单反根据拍摄者习惯、爱好和摄影技术水平的不同，为我们提供了适 ...

很实用的资料。保存，待慢慢消化。谢谢！

（二）照片后期处理的一般内容

摄影后期处理的能力和范围是十分宽泛的，小到照片瑕疵点的去除，大到画面构成元素的移花接木甚至偷梁换柱，数码后期处理的能力远比我们能想到的还要厉害得多。具体到某张照片的后期处理应该包括哪些内容，首先与照片的用途有关。照片的不同用途，决定了后期处理的允许范围。譬如您的照片要用于参加影展影赛，那么您必须遵守参赛规则对后期的规定和要求。如果您的照片是用于商业宣传或公益广告等大型画册的印制，则必须在尊重事实的基础上尽量满足客户的需要。如果您的照片仅仅是用于个人欣赏或网上交流，则没必要顾忌太多，完全可以根据自己的创作意图和后期能力，信马由缰地实施后期调整和处理。但本帖作为与初学者交流讨论的一份资料，我认为要求不宜过高，还是“由浅入深，循序渐进”为好！这也是我在开篇只要求大家“学会简单后期”的考虑所在。由此，作为《拍好照片的基本要求》之一，我们在照片的后期处理上，一般应该学会以下内容的处理。  

1、曝光微调。

  前面我们在讨论曝光问题的时候就曾经说过，确保曝光正确，是拍好照片最基本的要求之一。因为只有曝光正确的照片，才能准确还原被摄物体的色调和影调，才能保证成像清晰和细节的丰富。但在日常拍摄实践中，往往由于我们或相机的测光模式、拍摄参数等设置不正确；或对环境光线的审视和把握不到位；过曝或欠曝的现象是时有发生的，这一点即使高手也不可避免。而一张过曝或欠曝的照片是否还具有后期处理的价值，关键要看这张照片的曝光参数能否通过后期纠正调整过来。因此，对曝光不正确的照片进行曝光后期微调，便成了照片后期处理的第一道工序。

    需要特别强调和注意的是，由于数码感光元件自身的特性，数码相机记录暗部细节的能力要远好于对亮部细节的记录。因而许多人在前期拍摄时会有意识地进行减少曝光的设置，以求得拍摄时记录更多的细节。使后期曝光微调成为一种习惯和必然。

    同时，照片的后期曝光调整，还要取决于拍摄者对创作主题的理解和对画面色调影调的构思与设计。这样以来，关于照片曝光的后期调整，便既要包括对前期曝光不足和曝光过度的照片的调整，也包括根据创作需要将曝光准确的照片按照暗调或高调的需求进行画面明暗度的调整。

    曝光调整除了直接调整照片的“曝光度”、“亮度”值以外，也可通过数码补（减）光或“高光/阴影”的辅助调整，完成照片曝光的微调处理。

2、对比度调整。

   关于对比度的概念，教科书上有着严格的定义。但作为一般摄影爱好者，我们没有必要去了解那些抽象的数字和与摄影联系不太紧密的枯燥文字。只要知道：

   对比度指的是一幅画面中黑与白的比值，也就是从黑到白的渐变层次。比值越大，从黑到白的渐变层次就越多，从而色彩表现就越丰富。

   我们之所以要研究和调整对比度，是因为它对画面的视觉效果影响极大。一般来说对比度越大，图像就越清晰，色彩也越艳丽；而对比度小，则会因为反差过低，使整个画面显得发暗发灰。在日常拍摄实践中，由于数码感光元件（灰阶记录能力）的特性所致，加之我们在拍摄时“曝光设置”的不尽正确，因而很多时候照片的成像效果并不令人满意。这时，我们通过后期适当调整对比度，对于增强画面的清晰和通透、促进色彩的更好表现及细节的丰富记录等，都有着至关重要作用。

对比度的调整既包括画面反差不够的调高对比度，也包括画面反差过大的调低对比度。对比度调整的方法和途径较多。除了直接调整对比度/亮度外，通过调整色阶、曲线等功能，亦可达到调整对比度的目的。

   3、饱和度调整

    色彩的饱和度，是指色彩的鲜艳程度，也称色彩的纯度。它取决于该色中含色成分和消色成分(灰色)的比例。含色成分越大，饱和度（纯度）越高，色彩表现越鲜艳；消色成分越大，饱和度（纯度）越低，色彩表现越黯淡。

    在摄影后期过程中，研究和调整色彩的饱和度，一是因为专业数码相机在记录原始影像数据时，一般机内饱和度的数值设置都偏低，因为这样能够记录更丰富的色彩层次和明暗度层次，从而获得相对较宽的色彩范围。而摄影后期的主要任务之一，就是要通过及时校正原始图片的低饱和度设置，实现画面色彩的准确还原。二是因为摄影作品的创作，不仅包含拍摄者对取景画面的客观记录，更包含着拍摄者个人对作品主题的理解和对其色调、影调的主观构思。而这种构思意图的实现，很大程度上是要通过对画面色彩的后期调整，通过色彩的正确还原来实现和完成的。

    实践中，就我个人的理解，饱和度调整因创作要求或后期水平的不同，可分为画面整体饱和度调整，画面局部饱和度调整和自然饱和度调整等。比如一张照片，等我们想让整体色彩更鲜艳一些时，我们可以通过整体调高饱和度，使整个画面都艳丽起来。如果画面中有不想调整的构成元素（如人物），我们则可以通过使用选择工具，只对选区内的饱和度进行局部调整。而等我们需要只针对画面中消色成分偏高、饱和度偏低的色彩部分进行调整时，则可通过对自然饱和度的调整，达到保护已饱和颜色而只调整饱和度偏低部分的目的。

   摄影后期的任何一项参数调整，都应该是宁欠勿过恰到好处为止。色彩饱和度的调整尤其如此，无限度地拉大饱和度参数值，将会损伤画面的色彩层次和过度，直至照片变成一张色纸的剪贴画为止。

4、降噪与锐化

    如果我们在拍摄时遇到光线严重不足，或者为了提高快门速度而过高地设置了感光度，在照片的画面上就会出现一些杂色的斑点，我们称之为“噪点”。

    按照书上所说，噪点一般分为亮度噪点和色度噪点。亮度噪点是指在原本没有亮度差的部分出现了粗糙的明亮颗粒或亮斑；而色度噪点则是指在没有色彩差异（色相差异）的部分，出现了没有关联的色度颗粒或色斑；最终的结果是导致了画面的粗糙感明显增强和画质的严重降低，甚至最后沦为废片。

    噪点产生的原因：一是因为我们在暗光环境下使用低ISO拍摄时，由于数码相机的处理器无法承担较慢快门速度所带来的巨大工作量而造成；二是由于我们刻意调高感光度（ISO）实际是调高了感光元件信号处理的放大量，降低了输出信号的信噪比所致。

    后期降噪的目的，就是要通过后期软件的降噪处理功能，有效减少或去除画面中的杂色斑点。使画面尽可能地减少噪点影响，减少细节损失；使画面色彩细腻，层次过渡自然，图像更加透彻靓丽。

     关于降噪软件的选择，应该说是一个比较个人的问题。泛泛地讲，目前为止所有的图像处理软件都具备有降噪功能，只是相比较而言专业的后期软件其降噪更明显和效果更满意一些而已。何况即使使用同一款后期软件，最终的处理效果也会因个人经验积累和操作熟练程度的不同而差异明显。

    作为初学者，个人建议还是使用原厂附带的处理软件为好！因为原厂软件相对操作简单和易于掌握，尤其在处理各自品牌照片时，其灰阶连续性和画质处理效果等方面的表现要相对更专注和更适合一些。当然如果您是后期高手，使用PS等专业处理软件甚至专门的降噪处理插件，效果自然会更优秀许多。

    至于标题中提及的后期“锐化”，也就是通过提高画面边缘的对比度，让画面的边缘更加干净和清晰。实践中一定要注意锐化必须适度，过度锐化不仅会使画面的噪点增加，而且会在画面的边缘会产生一定的晕轮，甚至严重影响画面的质量。

   进行降噪处理操作时，一般软件都具有“NR预览”，注意尽可能利用好这一功能。一边观察图像的效果，一边对“亮度减噪”和“色度减噪”的两个滑块进行调节。二者的调节值都不宜太大，特别是“亮度减噪”调节幅度太大会严重降低图片解析度，而“色度减噪”则容易导致缺色或者色偏。

    5、剪裁与瑕疵去除

    剪裁，就是拍摄者根据自己的创作意图，通过对前期拍摄的照片进行合理的裁剪，使之画面更简洁、主体更突出、立意更能有效地表现和提升的过程。它能在一定程度上弥补前期拍摄时各种因素所致的遗憾和不足，是摄影后期处理的主要内容之一。

    大家知道，摄影创作区别于其它艺术形式很重要的一点，就是摄影作品的前期完成总是来自于拍摄者对拍摄现场的客观记录，来自于拍摄者对作品主题和创作意图的构思。因而在前期拍摄中，就不可避免地遭遇一些主客观因素的制约和影响。导致产生诸如画面背景不和谐、画面元素多余或重叠、主体占位不理想、各要素比列不协调、无关元素无法规避等等。这些只有通过后期的适度剪裁，在不影响原摄场景真实性的前提下，重新取舍画面构成要素，通过对拍摄画面的二次构图，使作品的主题更突出，或使原本平淡的画面焕发新的生机，完成作品的再创作。

    此外，我们由于镜头上有了污浊，或者相机的感光元件吸附了灰尘，成像画面便在不知觉中出现一些污点或瑕疵。也有个别时候，我们会在有意无意之间，将一些与主题不和谐的元素拍摄进画面。对于这些瑕疵或不和谐的元素，我们在后期处理时必须尽可能地使用后期处理软件将其去除掉。以保证画面色彩的纯正和元素搭配的和谐.

  6、影调色调完善

    首先申明，并非所有照片在后期处理时都必须进行以上内容的逐项调整。因为很多时候，使用JPG格式直出并预设了照片风格（锐度、反差、饱和度、色调等）的片子，并不一定需要大幅度的后期处理；尤其在光线充足的环境下拍摄时更是这样。同时，由于使用不同的后期软件，其各要素调整和处理的顺序及各子项间的组合安排也略有不同。即使使用同一款后期软件，也会因个人喜好、操作熟练程度的不同，而调整处理的步骤、方法、思路、力度也不尽相同。譬如在调整明暗对比和层次、过度时，有人喜欢直接调整对比度，有人则喜欢调整曲线，也有人喜欢通过调整色阶来实现。另外就本帖而言，我们只是针对初学者，将后期处理时个人认为相对主要的几个要素提了出来，并没有罗列全部的后期可调整内容。

    更为重要的是，在后期处理过程中，各子项要素之间的调整是相互牵制或交错影响的。明暗对比的调整势必影响着画面色彩的表现；而画面色彩的调整和变化，无疑也影响着作品明暗层次的改变。因此，在完成照片后期的基本处理后，回过头来对作品的整体处理效果来一个回头看，并根据作品的主题需要和自己的创作构思，对作品整体的色调影调再进行一次全面的修饰调整和最后完善，就显得尤为必要。

那么，什么是摄影作品的影调和色调呢！

    所谓影调，是指画面的明暗层次、虚实对比及色彩的明暗关系。通过这些关系，使大家能感受到作品画面中光线的流动和变化。因此也可以说，影调是光的空间存在形式。摄影作品中，影调应该有两层含义：一是指被摄体表面的不同亮度在黑白感光材料上所形成的阶调层次——黑、白、灰以及处于这三个主要等级之间的过渡层次。二是指整个画面的明暗调子。摄影作品的影调主要分为高调、暗（低）调、中间调。

    而所谓色调，是指画面色彩的基本基调，即画面中主要色彩的倾向。色调分为以青蓝紫为整体感觉的冷色调，和以红橙黄为整体感觉的暖色调、以及介于冷暖色调之间的中间色调。

  影调色调对于摄影作品的作用，不仅在于再现自然，更重要的在于表现自然。在于通过对影调色调的选择、控制和运用，以期达到渲染气氛，突出主体，创造意境，烘托主题的目的，使我们的摄影作品具有更好的艺术表现效果。

（三）后期处理中容易出现的几个问题

     1、高光区部过曝

    我们在日常拍摄过程中，由于物体受光面积、角度和光线照射方向的原因，或者由于相机设置的不到位所致，所拍照片区部偏亮或偏暗，甚至区部过曝或欠曝等都是难以避免的。在后期处理这类片子时，新手往往容易犯的一个错误，就是照片的高光区域明显过曝。导致高光部分一片死白，图像的层次、细节损失严重！

     究其主要原因：一种可能是为了纠正暗部区域的曝光不足，而一味地调高整体的曝光度，致使照片的亮色部分高光溢出，影相的层次、细节完全丢失。另一种可能则是为了强化画面整体的通透度，而过分地加大对色阶、对比度的调整，致使高光区域调整过度，亮色部位出现死白。

    避免后期处理时出现高光区域过曝的关键，一是在处理思路上必须明确，除个别整体偏暗（或偏亮）的照片可以实施整体曝光度调整外，多数情况下需要兼顾前期拍摄时已经形成的亮部区域和暗部区域的曝光实际，统筹考虑曝光调整的具体思路。二是在处理方法上，尽可能学会对高光区域和暗光区域实施分别调整的方法。简单的如使用光影魔术手的曲线调整，在调高暗部曲线时同时适当调低亮部曲线。复杂的如使用DPP、PS等软件时，通过对亮度及高光/阴影等选项的参数调整，完成整体曝光度的调试处理。更高级的如使用PS的选择工具，只对选区内的亮（曝光）度进行局部调整等等。三是在处理力度上，必须把握好调整的“度”，无论是对亮部区域还是对暗部区域进行调整，调整的“度”必须是恰到好处。当然这需要仔细的观察和反复的练习实践，不断总结和积累经验。

    2、画面对比度过高

    如前所述，对比度调整是后期处理的一项主要内容。在整个照片的后期处理中占有很大的比重和份额。因为通过对比度的调整，我们可以有效增强画面的清晰度和通透感，使影像变得清晰、艳丽，视觉上更加赏心悦目和具有冲击力。问题在于这种调整必须适度！而且必须结合照片的前期拍摄实际和主题表现需要，在对画面整体明暗度进行统筹考量的基础上，或整体或区部，当加则加，当减则减。而恰恰是在这一点上，我们许多时候会犯错误。

    我们知道，调高对比度可以使画面中黑的部分变的更黑，白的部分变的更白。正是由于我们通过对比度的这种调整，加大了画面的明暗反差，从而使画面显得干净、锐利、鲜艳和透彻。但任何事物都具有两面性，等我们过分地加大这种反差调整时，必然会导致画面中暗的部分变成全黑（或接近全黑），而亮的部分则变成全白（或接近全白）。由于画面中缺少了中间色调，因而缺少了必要的明暗过度，大量的层次、细节会被死黑、死白所淹没，造成宽容度的严重缺失和画面层次、细节的严重流失。

    对比度调整过度的原因不外乎两点，一是习惯，二是方法。所谓习惯，是因为我们在欣赏照片时，往往喜欢画面通透，色彩鲜艳的摄影作品。久而久之大家便形成了一种视觉倾向，越是锐利通透反差明显的照片，越能博得大家的认同和赞许。这种近乎偏向化的欣赏习惯，迫使大家在后期处理时往往注重和强调画面的高对比度与高反差，而轻视或忽略了画面层次、细节的有效过度与充分表现。所谓方法，主要是对比度调整的步骤、方法不正确。或因为后期处理知识学习掌握的不到位，或因为对后期处理效果要求的不严谨，在对比度调整的处理思路和操作方法上过于简单，不善于对画面各区域明暗差异做具体的斟酌和兼顾，而只是一味地调高画面整体的对比度。这种顾此失彼的处理方法，其效果自然是不言而喻的。

    克服和防止对比度的过高调整，与后期曝光调整的思路、方法基本相同。首先要分析和研究所处理照片的整体明暗度表现，确定对比度调整的思路和方法。其次必须学会和掌握对比度局部调整的技术要领和操作技巧。只有这样才能做到对比度调整的当加则加，当减则减。三是在具体处理上必须注意，一般除早、晚和阴雨天气等低照度环境拍摄的片子可以考虑画面整体对比度调整外，很多时候需要的是画面整体明暗层次的统筹兼顾和对比度、亮度、色阶、曲线等处理项的综合调整。

此文篇幅较长，但涉及如何学摄影的内容比较全面，有兴趣的网友可以耐心地读一读，对自己摄影水平和技巧的提高一定有很大帮助。

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